天坛·夏（纸本不透明水彩） 20世纪40年代 关广志 私人收藏
回望20世纪中国水彩画的本土化进程，关广志是一个无法绕开的名字。他以西画为体、中画为用，让外来画种在中华大地生长出独有的风采。8月7日至9月6日，由中国美术馆、北京画院主办的“灿然天地——关广志艺术展”在北京画院美术馆举办，作为“二十世纪中国美术大家研究系列”的第69个项目，本展展出中国第一代水彩画家关广志的水彩、铜版画精品70余件，带领观者重回那段光影交织的岁月，探寻这位水彩画先驱在广阔天地间留下的艺术足迹。
“灿然”，是关广志水彩艺术中最鲜明的视觉特质。明丽强烈的色彩、澄澈通透的光影，塑造出光彩焕发的艺术面貌。少年关广志痴迷绘画，就读奉天美术专科学校期间，师从英国画家安娜·赫奇基斯，接受了系统的素描与水彩训练，打下了西方造型与色彩功底。1931年，关广志赴英国皇家美术学院接受正统的学院训练，在水彩创作中，尤其推崇威廉·透纳的光色探索。他的《爱丁堡的早晨》《贝尔法斯特海滨》等作品颇受印象派影响，光影柔和，带有英国水彩轻薄透亮、重质感的特点，画面不拘泥于精准透视与比例，而是探索“水”与“彩”结合的独特性。
归国后，古建风景成为关广志最重要的创作主题。为表现中国古建筑的厚重感，关广志跳出传统透明水彩的既有框架，在有色卡纸或亚麻布上，将透明水彩调和意大利“潘普拉（Penpra）”白色颜料，融入中国传统绘画的矿物颜料，独创不透明水彩画法。配合“缝合法”等技法，其作品既保留了水彩的透气感，又有油画般的明丽色彩。画面既有西方写实绘画精准的透视与结构，尽显古建的庄重雍容，又蕴含中国画的气韵与章法，虚实相生，意境深远；更为中国古代建筑留下了水彩语境下的鲜活形象，兼具美术史与建筑史的双重价值。
“天地”，是关广志创作的题材和场域，写生是贯穿关广志一生的艺术实践。新中国成立后，广袤国土上的古迹山川与时代新貌为他的创作打开全新格局。在深耕的风景建筑题材领域，他的写生版图从北京向外延展。1954年，关广志带领清华大学建筑系学生赴山东孔庙和山西晋祠采访写生，留下了古代建筑的经典艺术形象；1955年，他参加中国美协组织的边疆写生行，与吴作人、萧淑芳等人赴内蒙古草原、东北大兴安岭，描绘北国新颜；1956年，他又南下写生，途经武汉、长沙、韶山、南岳等地，用画笔描绘红色圣地与城市建设盛景。
常年写生实践的积淀，也化作他课堂上鲜活的养分，滋养了一代代学子。《北京中山公园》是关广志1952年在清华大学任教时所作，彼时他的艺术风格日趋成熟。作品充分展示了他驾驭材料的能力：透明与不透明颜料的混用，阴影等暗部依托湿画法展现出细腻肌理，画面亮部则以干画法叠加成形，整体色彩简洁又浓郁、透亮。从晋祠古建到云冈石刻造像，从古都风物到林区新貌，他的写生始终以天地万物为师，在实地体察中捕捉物象。这一创作理念，让他的作品葆有开阔格局与鲜活气息。
在英国皇家美术学院深造期间，关广志曾师从著名铜版画家马勒卡姆·奥斯本，系统研习17世纪伦勃朗以来的“线蚀”传统，兼修“飞尘”与“干刻”技法。1934年，他辗转从伦敦带回中国第一台铜版机及大量铜版画工具、教材。他以这种全新的艺术形式记录下北平风貌，画风具有英国皇家学院派的严谨风格与精致格调。从技术引进到创作探索，关广志推进了铜版画的本土化进程。在展览中，观众可以看到关广志带回的英文教材、创作工具及铜版画原板，以此解读“线蚀”“飞尘”“干刻”三种技法如何在他笔下交织。他以这种全新的艺术形式，为中国铜版画的发展奠定了重要基石。
“艺术家要诚守其志，雅发其外。”关广志曾这样说。他的创作在长期的实践中沉淀出一种理性的思考——既有西方写实绘画的科学逻辑，也有中国传统艺术的意境之韵。在他的水彩世界中，古都殿宇的檐角在天光里浮现，园林树影在水色间摇曳，一笔一画明澈舒展，自有一派光耀天地的生机，更有静水流深的艺术思考。